Es solo rock and roll

Marah – Angels of destruction

Me atrevo hoy a meterme en terreno desconocido, a experimentar con sonidos que no son los habituales en mi personal bagaje emotivo-musical, un mundo en el que Springsteen es el jefe y los Jayhawks los padrinos. Sí niños y niñas, esto es rock ‘n’ roll.
Nos adentramos en las entrañas de la música popular en la america profunda, nos apretamos los vaqueros y nos dejamos de complejos para saludar a Marah.
Dada mi falta de pericia y de labor de investigación por estos terrenos, no es de extrañar que no tuviera noticias de la banda de Brooklyn hasta hace un año más o menos, cuando visitaron Sevilla participando en el festival Spoken Word. Tenía ganas de asistir a alguna de sus sesiones y la presencia de uno de mis escritores de cabecera, Nick Hornby, fue determinante para que no dudara en plantarme en el Lope de Vega. La sorpresa, sin embargo, fue encontrarme con un concierto que no esperaba, con uno músicos entregados, que se divertían en el escenario como pocas veces he visto. Sin pose, sudando de verdad y buscando la complicidad del público de verdad.

Su honestidad me hizo tener curiosidad por conocer un poco más y comencé a escuchar su disco en directo (acompañado de DVD), Sooner or later in Spain y entendí por qué consiguen arrastrar al público consigo en cada aparición.
Sin embargo, y a pesar de las buenas intenciones con las que me acercado a su recién publicado Angels of destruction, (nada menos que el sexto en su carrera) la verdad es que no me han terminado de enganchar, al menos no tanto como en el directo.
El disco está plagado de momentazos típicos y de sonidos que nos recuerdan a cualquier otro grupo de segunda fila jugando a tener una banda de rock. Eso sí, hay una producción y unos arreglos mucho más cuidados que en sus anteriores trabajos, y se nota desde la primera escucha. Temas como Angels on a passing train, Wild West Love Song (mi favorita) o el que da título al disco (de lo mejorcito del álbum) resultan una perfecta carta de presentación que nos adelanta todo lo que va a venir después. Pierden atractivo en las canciones más lentas y se crecen en los momentos más intensos pero sigo pensando que el verdadero encanto de Marah es ver a los hermanos Bielanko y compañía en acción. Así es como han convencido a Hornby, superfan declarado de la banda, al propio Boss, que ha grabado y tocado en directo con ellos, y a miles de fan en los USA y también en España. A ellos les encanta nuestro país y lo demuestran en sus giras, y el público se la devuelve (puedo dar fe de que su disco se vende). Y al fin y al cabo (escupiendo un poco de tabaco mascado), qué diablos, en eso consiste el rock!!!

Por Rose

http://www.myspace.com/marahusa

Y claro, una pizca en directo
http://www.youtube.com/watch?v=CPVxkjHjdBI

SEXO, GLAMOUR Y DIOS

DURAN DURAN - Red Carpet Massacre

La portada de este disco, con esas modelos tan de Robert Palmer, no lleva a engaño: Duran Duran siguen anclados en los 80 (para suerte nuestra). Tras 29 años de carrera y 12 álbumes, en este nuevo nos vuelven a hablar de lo que siempre nos han hablado: de sexo y glamour. Lo único que ha cambiado es que, para esta ocasión, los británicos han optado por llamar a la puerta de Dios (o sea, del omnipresente Timbaland, que es el hada madrina de mil y un artistas de hoy en día) y de la mano derecha de éste (Nate Hills). El objetivo de arrimarse a tan buenas sombras era incoporarse a los nuevos tiempos que corren y, de paso, volver a vender como en los 80 (o sea, como rosquillas). Y aunque el experimento no ha salido muy bien a nivel comercial (de hecho, es uno de los grandes batacazos de su carrera), esta colaboración ha creado éxitos en potencia como Nite-Runner, Skin Divers and Zoom In (y esto tarde o temprano traerá su recompensa, que Timbaland es apostar sobre seguro). Por cierto, que el influjo de Dios no ha borrado el toque New Romantic de la banda como si de los pueblos de Sodoma y Gomorra se tratara: A pesar de la capa de hip hop, estos nuevos temas continúan recordando a los horteras eighties (aunque los Duran nunca hayan sido horteras; si acaso, flamboyant).

De todos modos, no todo lo que luce en este disco es oro. Simon Le Bon y compañía saben disimular con muchísimo arte la poca sustancia de muchas de sus canciones pero, conforme se escucha más el disco, van apareciendo los defectos; de forma que lo que parecía un sin fin de hits, acaba menguando en un puñado de buenas canciones. Esto es algo que pasa con cualquier disco de Moby o Seal (dos maestros a la hora de maquillar lo que no tiene por donde cogerse); Pero los autores de la mejor canción de James Bond no son tan tramposos como el marido de Heidi Klum (ni mucho menos como el tataranieto del escritor de Moby Dick) y, entre la paja, se pueden encontrar estas CINCO JOYAS DE LA CORONA (que son también las cinco más bailables y LO MEJOR DEL DISCO): The Valley (Habla de la búsqueda de la felicidad y comienza de una forma supermaquinera), The Nite Runner (Suena más Timbaland que ninguna otra y cuenta con Justin Timberlake, fan declarado del grupo), Skin Divers, Tricked Out (Es un tema instrumental que mezcla teclados intrigantes con guitarras locas a lo Guns N' Roses y, aunque hace presagiar descalabro, acaba siendo ultra resultona) y Zoom In (que con un estribillo súper pegadizo, habla del mundo virtual Second Life).

LO PEOR DEL DISCO (que es también la parte más retro):
- Fallind Down. Mal cosido entre la banda y Timberlake, gira alredeador de una caída de moto que viene a representar mucho más. Meláncolica y muy Duran Duran, es uno de los grandes agujeros del disco. No sé en qué estaban pensando cuando optaron por ella como primer single. El vídeo que lo acompaña es muy de bochorno.
- Red Carpet Massacre. Aunque la canción que da título al álbum es un poco horror, no puedo estar más de acuerdo con una letra que describe las alfombras rojas de Hollywood como campos de batalla, que es lo que realmente son (y es que es ahí donde se dan los premios más importantes).
- Box full o’honey. Podría estar en cualquier otro disco de DD sin desentonar lo más mínimo. Los Duran Duran dijeron que se habían olvidado de lo que habían hecho hasta entonces para abrazar los nuevos tiempos, pero 30 años de carrera son un lastre muy pesado para dejarlo ir tan fácilmente por mucho que Yahvé se haya metido por en medio.
- She’s Too Much. Simon Le Bon le dedica a la hija esta balada y, si la hija tiene un mínimo de buen gusto, espero que haya quedado horrorizada y, de paso, haya extraído varias conclusiones.

- Por José Manuel

every party has a winner and a loser

Erlend Øye – Unrest

Erlend Øye es a día de hoy (mañana vete a saber) mi voz masculina favorita del pop. Este chico con pinta de empollón encantador es la mitad del grupo de pop-folk Kings of Convenience, y actualmente lidera otro proyecto paralelo (esta vez de pop-rock) The Whitest Boy Alive. Se ve que el chico no para, ya que además es muy dado a poner su voz en múltiples colaboraciones (Röyksopp, Phonique, Dntel) En 2003 publicó este, su disco en solitario.

Entre 2001 y 2002 decidió darse un descanso de su compañero de Kings of Convenience y de las guitarras acústicas y se adentró en el mundo de la música electrónica con un experimento pop de lo más interesante: hacer 10 canciones grabadas alrededor del mundo, cada una en una ciudad diferente y con un productor diferente.

Visto así se podría esperar un resultado de lo más heterogéneo, ya que tal variedad de productores solo podría llevar a canciones totalmente alejadas unas de las otras o a una especie de batiburrilo sónico. Pues no. Unrest es un disco de pop electrónico muy compacto, una colección de canciones de tristeza optimista con un olor a sintetizador retro que sí me dicen que está producido por una sola persona casi me lo creo (pero no, ahí están Kompis, Prefuse 73 o Morgan Geist entre otros)

No nos engañemos, no es un disco de hits inmediatos (ni tiene porque serlo) sino de pequeñas postales llenas de sonidos sutiles y melodías de medianoche. Quizás la tonadilla más pegadiza sea la que fue el primer single Sudden Rush, pero tiene 9 canciones más para enamorar y bailar sin moverse de la cama.

¿Valió entonces la pena el experimento de recorrer el mundo en busca de ciudades y productores diferentes? Pues supongo que a nivel de experiencia personal sí, ya que Erlend se debió pasar un añito estupendo de New York a Roma pasando por Barcelona o Berlín que ya quisiera yo. Otra cosa es lo que salió de allí a nivel de sonido, que al final suena bastante parecido todo. Pero por buscarle el lado bueno, es posible que la personalidad de Erlend sea tan fuerte que su sello personal en las canciones quede muy por encima de sus 10 colaboradores.

Vamos a lo importante, Unrest en uno de esos disco de los que nunca me canso, y que cada cierto tiempo me pide volver a él para cantar esa gran verdad de ‘every party has a winner and a loser’ Quizás no es un disco ganador, pero es que yo adoro a los perdedores.

Como curiosidad, el videoclip de Sudden Rush, dirigido por Jarvis Cocker:

Y aquí cantando There's a Light That Never Goes Out con un poquito de Poor Leno.

Por Davis

Ah, y hoy empezamos la campaña VOTA A TANNHÄUSER para que ganen el proyecto demo. Ante todo porque el grupo es buenísimo, y además son de Sevilla, son amigos nuestros y uno de sus componentes escribe en este blog!!!

Proyecto Demo

Proyecto Demo Tannhäuser

MEJOR EN CASA QUE EN NINGÚN SITIO

Sigur rós – Heima

Aunque en España se editó primero el disco Hvarf-Heim, ya criticado aquí por un servidor, en el extranjero apareció al mismo tiempo el primer dvd de Sigur Rós, Heima. La idea surgió en el 2004, se trataba de grabar un concierto en directo. Sin embargo llevaban tiempo sin tocar juntos y decidieron posponerlo, ya que además coincidía con la salida de Takk… y su promoción. Decidieron que después de la gira mundial de presentación de este disco recorrerían su país natal, Islandia, en una serie de conciertos no anunciados y gratuitos, sólo dos de los conciertos (los de Reykiavik y Oxnadalur) se anunciaron públicamente, dejando el resto a cargo del boca a boca. El director Denni Karlsson entregó las grabaciones al grupo pero éstos no quedaron muy satisfechos del resultado. Al final el director y fan del grupo Dean Deblois, y de manera más secundaria Nick Fenton, entró en el proyecto y utilizando el material de Karlsson más algunas imágenes rodadas por él Heima tomó forma. Una de sus mejores aportaciones ha sido el conseguir entrevistar a los miembros del grupo, cosa harto difícil.

Hechas las presentaciones, os digo que este dvd es absolutamente brutal, e imprescindible para todo fan de Sigur Rós. El primer cd consta de un documental sobre esa gira por Islandia, donde se entremezclan las actuaciones con la entrevista individual a cada miembro y con imágenes impresionantes de las diferentes ciudades y parajes naturales donde actuaron. El documental está presentado desde una perspectiva muy intimista, centrándose asimismo en el público a través de planos muy cortos. Uno de los factores positivos es que al ser gratis los conciertos acudió gente de todas las edades, viéndose así unas reacciones de lo más diversas, desde la estupefacción de los ancianos al fanatismo de jóvenes hasta llegar a la alucinación o ignorancia de los niños. Otro de los fuertes son los planos de paisajes islandeses, solo por ellos merece la pena tener este dvd, a veces piensas si no estas viendo un documental del país con banda sonora de Sigur Rós. Y es que este grupo se muestra como 4 personas amantes de su país, implicados en sus problemas y en su tradición musical (fantástica la fiesta tradicional islandesa llamada Kirkjubæjarklaustur, donde ponen música a un poema cantado típico de esas tierras). Y es que es difícil encontrar hoy día una banda implicada realmente con la música, no solo moderna sino también la tradicional, y descubrir en ella alguna base para componer sus temas propios. Otra de las curiosidades es ver una actuación donde no se utiliza electricidad alguna. Impresionantes los conciertos en el viejo edificio pesquero en ruinas y en Reykiavik, así como la merendola que se montan junto con familias mientras dan un concierto acústico sublime. El segundo cd contiene las actuaciones del documental sin cortes, más algunas extras que no dejarán indiferentes al personal, mención especial para la improvisación sobre marimba de piedras de los 4 componentes tocada dentro de una cueva.

Heima, significa 'en casa', tiene algo de mágico, quizás esa conexión que logra entre el grupo, sus paisajes marcianos y descomunales, la música maravillosamente grabada (el sonido es perfecto), el público que asistió a los conciertos...todo crea un nexo de unión que llega al espectador y le hace partícipe de la experiencia. Lo dicho, una absoluta delicia, tanto para fans como para amantes de los buenos dvd musicales.

Santeuil

Lo mejor: ver como los miembros de una de las mejores bandas del mundo son gente de lo más llana y sencilla. Los paisajes y la música.

Lo peor: quizás cierto toque sentimentalista y emocionado.

Discográfica: EMI, 2007

http://www.ocnos.com/

CUENTOS DE HADAS SUICIDAS

PJ Harvey – White Chalk

Me estreno en el blog con uno de mis discos favoritos de este año pasado. Es bonito usar aún la palabra “disco” para referirse a un soporte que parecía caduco pero que no lo es en absoluto. Aparte de la belleza que implica poder usar una palabra entera, y no una sigla, para referirte a un pedacito de arte que ya dentro de una se ha convertido en sangre y carne y memoria, lo cierto es que la propia Polly Jean Harvey, de cuyo último “disco” (White Chalk) voy a hablar, también quiso que sus primeros compradores tuvieran la opción de llevarse a casa una misma obra con soportes distintos: vinilo y CD.

¿Qué hace, pues, que una chica como yo, inmersa en las nuevas tecnologías, acabe siempre escogiendo el formato vinílico para escuchar esta nueva obra de la rockera por antonomasia que, de repente, se viste de novia garabateada, se sienta al piano y, nocturna como siempre pero aún más oscura si cabe, hilvana estas miniaturas incandescentes que son las canciones recogidas en su último LP?

Pues sí, la elección del formato vinílico viene dada por una buena dosis de romanticismo que la que escribe lleva dentro de sí aunque sea en el centro mismo de un mundo rutinario, poco dado a la tensión entre la vida y la muerte, la suavidad y el ardor que conforman las rugientes, dolidas y quebradizas escalas de titanio que Polly Jean traza con sus manos de pianista salida de una brillante, compacta y tenaz pesadilla donde las hadas han aprendido a ensuciarse tanto como hace su voz, por ejemplo, en “The Mountain”, una de mis canciones favoritas del disco y que lo cierra y encierra como un broche hecho de espanto, vacío y deseo de libertad.

Escojo esta canción para empezar porque me parece que resume muy bien el contenido del LP al completo: primero te sube (lírica y musicalmente) a lo más alto (una montaña), te presenta un símbolo de la libertad (en otras canciones PJ escoge la forma de caballos furiosos, esta vez es un águila), para caer luego en picado con el mortífero animal sobre carroña humana. El corazón trepado a la montaña, henchido de altitud y contemplando cómo lo que antes tenía la entera altura de un hombre (un soldado) se desparrama muy muy abajo hasta convertise en pasivo alimento de un ave, sólo puede decir un “by the mountain / I feel nothing / cause in my own heart / every tree is broken”.

Subir y caer para darse de bruces con la nada: esto es lo que hace todo el LP. Y lo consigue con armas secas, concretas, intensas: piano, arpa, harmónica... Instrumentos aparentemente dulces y contenidos desatan tormentas muy cortas (la duración de las canciones es mínima; nada les falta, pero nada les sobra), vibrantes y desgarradas, que empiezan hablando de árboles que se obstinan en crecer (Grow Grow Grow es el título de otra canción) y acaban mutilados y secos, profundamente traicionados porque todo lo que se alza tiene que caer, todo lo que vive tiene que morir. Así acaba The Mountain: “The first tree will not blossom/The second will not grow/The third is almost fallen/Since you betrayed me so” Y como en estos terrenos las palabras y emociones quedan obsoletas, el disco acaba por prescindir de ellas y transformar el discurso y la melodía en puros aullidos de dolor animal, cuando no en el aún más aplastante silencio (Silence es el séptimo tema del disco).

Polly Jean toca techo y subsuelo (tan amplio es este disco diminuto) con esta última obra suya: breve y afilada causa heridas profundas en la misma realidad. Desde el sufrimiento que destila este extraordinario LP por cada uno de sus poros la antes dura, combatiente voz de Harvey es capaz de despedirse de todo y todos (Befote Departure), pedir perdón arrastrándose (Broken Harp) pactar con el diablo (The Devil) y hasta llorar la ausencia de Dios (ese desgarrado “Oh God I miss you” en The piano). Angustia existencial de primer orden transformada en denso placer: el de escuchar esta obrita mínima y audaz que te agarra , te exprime y deja exhausta. Poco más de media hora de música casi tan sobrenatural como el propio dolor/amor de vivir.

Por Inesa/Azultima

Pump up the volume

Varios – Back To The Old Skool

Soy un freaky, lo reconozco. Al menos yo me considero así cuando al entrar en un tienda de discos en lugar de irme a ver las últimas novedades u ofertas, yo me lanzo hacía la sección de italo-disco y a la de recopilatorios dance. Y es que para alguien a quién le encanta la música folk y preferentemente el rock norteamericano, ser fan de la música dance de finales de los ochenta y principios de los noventa no puede ser considerado más que como mi punto freak.

Hasta anoche no llegaron a mi poder dos de los recopilatorios editados por Ministry Of Sound, en los cuales se recogen algunos de los hits (historia de la música me atrevería a decir) más bailados en las discotecas de todo el mundo a long time ago.

Bajo la etiqueta Old Skool se han recopilado lo mejor de los todos los estilos de baile, del house al hardcore, del jungle al techno. Perfectos para todos aquellos que dicen “ya no se hace música de baile como la de antes”.
Yo recomiendo, si consigo que os pique la curiosidad por el tema, que os hagáis con el volumen 1 y 2 además del Best Of, ya que en este último se han dejado fuera temas imprescindibles. También hay que decir que no es lo mejor de la música dance de aquella época ya que está enfocado principalmente al público británico y se han dejado fuera algunos clásicos del techno y sobretodo del eurodance (ay, se me ha saltao una lagrimilla).

Podemos escuchar y bailar clásicos como Set You Free de N-Trance, Pump Up The Volume de M.A.R.R.S. (para mi gusto no es para tanto pero es está claro que uno de los clásicos), Killer de Adamski, Don't You Want Me de Felix, Voodoo Ray de A Guy Called Gerald, On A Ragga Tip de SL2, Connected de Stereo MC's,S Express - Theme From S Express, Ride On Time de Black Box, (I Wanna Give You) Devotion de Nomad, Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now) de C&C Music Factory, Show Me Love de Robin S, Rhythm Is A Dancer de Snap, I'm Gonna Get You de Bizarre Inc o el por todos conocido Everybody's Free de Rozalla entre otros muchos.

Os dejo unos cuantos links de Youtube para que vosotros mismos comprobéis de lo que os hablo.

Por Dindan

Lo mejor (del estilo): temas que te hacen bailar sin parar, que se pueden cantar, porque antes la música de baile se podía cantar si querías, disfrutar con las pedazo de voces femeninas que acompañaban a los djs de la época,…
Lo peor: para mi gusto hay demasiados temas jungle, breakbeat o trance, pero todo es cuestión de gustos.
www.backtotheoldskool.co.uk

A Guy Called Gerald - Voodoo Ray
Urban Cookie Collective - The Key The Secret
Black Box - Ride On Time
Nomad - (I Wanna Give You) Devotion
N-Trance - Set You Free
Felix - Don't You Want Me
Adventures Of Stevie V - Dirty Cash

Glorias maduras

Manic Street Preachers – Send away the tigers


Y en aquellos tiempos, cuando nuestra mayor preocupación era tener la posibilidad de ir a aquellos conciertos, todo nos parecía lo peor; no imaginábamos entonces que lo peor estaba aún por llegar…

Cuando comenté con algunos dustinianos mi intención de hablar sobre el último disco de Manic Street Preachers me dijeron algo así como “¿Pero te ha gustado? Porque eres capaz de sacar lo que sea para ponerlo bien y todo”… pues algo así, sí.
A la primera escucha este disco no te llama especialmente la atención. Lo reconoces como lo que es, un disco de los Manics, y lo dejas ahí, como escucha secundaria de fondo, sin darle muchas más oportunidades. Y confieso que eso fue también lo que me pasó a mí. Pero como les tengo cierto cariño por cosas que pasan en la vida, les di otra oportunidad.
Una, que a veces se deja picar por la pesca de altura, esa que consiste en poner cebos comerciales para que los discos se vendan, también me acerqué a este trabajo por en cebo de Nina Persson, vocalista de The Cardigans, que pone su voz en el primer single, ‘Your love alone’; y la verdad es que el resultado es correcto, no para tirar cohetes vaya, pero correcto. Y así resulta el disco, es un disco correcto de los Manics. No pasará a la historia del grupo, ni la historia del pop británico, ni a la historia musical de 2007, pero es correcto.
Para mí, y con esto no quiero pecar de demagogia (pero en un discurso oral mi contundencia convencería a cualquiera), el lado positivo de Send away the tigers es que es un disco de los Manics, ni más ni menos. No te queda la menor duda de que son ellos porque, con el paso del tiempo, no han cedido ni un ápice en las señas de identidad de la casa. La estructura de las canciones, mezcla de interludios de medio tiempo y solos de guitarra y contundencia en los estribillos, y por supuesto la forma de cantar de James Dean Bradfield. Así que en el lado positivo de la balanza pongamos su autenticidad, algo que, en los tiempos que corren en el mundo de la música, y especialmente en el mercado británico, no está precisamente a la orden del día.
Pero claro, llega la hora de profundizar un poco más en el último trabajo de los galeses y empiezan las flaquezas. En sus canciones pretenden seguir siendo los predicadores de siempre, lanzando consignas a los jóvenes y a su forma de vivir en sociedad, pero en mi opinión las letras tienden demasiado a la repetición fácil de frases sencillas, algo que siempre han hecho pero que ahora suenan más a relleno que a un modo de reforzar los mensajes. En cuanto a los riffs de guitarra, me suenan demasiado macarras, para entendernos, a medio camino entre los Manics de Everything must go, y un mal intento de heavy comercial.
Manic Street Preacher han sido uno de esos grupos de background que siempre ha estado ahí, para completar con éxito el cartel de un festival, para que algún tema suyo aparezca en el disco recopilatorio que le grabas a un amigo, para hablar de la leyenda del misteriosamente desaparecido Richey James. Pero tampoco conozco a nadie que les nombre como su grupo favorito, o algún disco suyo como imprescindible en su vida. Sin embargo, si no estuvieran ahí, les echaríamos de menos.

Por Rose

‘Your love alone’, con el añadido de ver a Nina
‘Motorcycle Emptyness’ porque los Manics son los Manics

JONI Y SUS 12 APÓSTOLES (CON 5 JUDAS DENTRO)

VARIOS ARTISTAS - A TRIBUTE TO JONI MITCHELL

En este disco 12 famosos hacen sus propias versiones de canciones de Joni Mitchell (el equivalente femenino de Bob Dylan). Y mientras unos han puesto el corazón en ello, otros parece que tenían que ir corriendo a poner la lavadora. Enumero las canciones de este tributo en orden de mejor a peor:

1. Annie Lennox, Ladies of the Canyon
La mejor del disco, que para algo Lennox es maravillosa. Al igual que McLachlan (que está casi al final de esta lista) se lleva la canción original a su terreno, pero la de Eurythmics (a diferencia de la canadiensa) lo borda e incluso mejora el original por goleada. De todos modos, yo soy muy lennixta, así que hubiera dicho lo mismo de haber hecho un churro.

2. Sufjan Stevens, Free Man in Paris
El joven americano versiona una canción dedicada a David Geffen (el productor de cine que saltó a la fama con el rumor de que se había casado con Keanu Reeves). Stevens añade en su versión unos arreglos orquestrales lleno de trompetas y violines que no estaban en el original y que le quedan francamente bien.

3. Bjork, The Boho Dance
La famosa castigadora de paparazzis es una fan declarada de Joni Mitchell. Su canción la hubiera puesta la primera si no sonara a recalentada del microondas: Es un cruce mal disimulado entre Pagan Poetry y la canción de Mitchell (De hecho parece enteramente sacada de su álbum Vespertine, toda llena de campanitas). Aún así, es de lo mejorcito de este disco porque Bjork, cual Midas, convierte en oro todo lo que toca.

4. Caetano Veloso, Dreamland
Caetano escoge para el homenaje un tema en el que Mitchell habla de Brasil, con lo que le responde con esta versión a modo de diálogo. Veloso acentúa aún más si cabe los ritmos de samba que tenía el original. La canción, como muchas de Mitchell, está llena de referencias culturales y personajes históricos.

5. Elvis Costello, Edith and the Kingpin
El marido de Diana Krall hace algo que en nada se parece al original: Envuelve la letra en una especie de banda sonora con arreglos orquestales hasta arriba que huele a cine negro y a nostalgia. Suena un poco a esas cosas que Costello hacía cuando se juntaba con Burt Bacharach.

6. Prince, A Case of You
The Symbol viste su versión de gospel y pone un piano donde sólo había guitarras. Está muy bien. Mucho mejor que cualquiera de su último disco (el horroroso Planet Earth).

7. Brad Mehldau, Don´t Interrupt the Sorrow
Mehldau realiza una versión intrumental en la que quita las guitarras del original y deja sólo un piano, que para eso es un famoso pianista jazz. Trata la voz de Joni como un instrumento, la despoja de todo lo demás y la sigue fielmente con un ligero toque Debussy.

Y a la cola del disco citaría los siguientes (No les pongo numerito porque la verdad es que me da igual uno que otro):

Sarah McLachlan, Blue
La famosa cantante de baladas espantosas versiona, como no podía ser de otra forma, una balada. Por cierto, que es una de las canciones del disco que se mantiene más fiel a la original (lo que nunca es bueno).

Emmylou Harris, The Magdalene Laundries
La Harris le da un nuevo enfoque country a una canción que cuenta lo mismo que la película The Magdalene Sisters.

K. D. Lang, Help Me
En esta canción una muchacha se debate entre su libertad y el amor hacia un canalla (lo que es un tema de lo más ligerito para lo que normalmente es la intelectual Joni). De cara a la interpretación, Lang decide renunciar a su libertad y copiar a Mitchell en todos los detalles (Otra que no se arriesga, como la McLachlan).

James Taylor, River
El madurito James Taylor se confiesa fan de la Mitchell más mínimal. Y así hace su versión. Con una guitarrita y poco más. Cual Joni. Sin sacar nada nuevo del armario.

Cassandra Wilson, For the Roses
Cassandra hace una versión excesivamente simplificada y fría como el hielo. Le quita el encanto, el calor y el corazón a la canción original. No sé cómo no ha podido preveerlo llamándose Casandra.

Por José Manuel Pozo

Lo mejor del disco: La Lennox. Pero, como no he encontrado su tema en el youtube (ni el de Stevens), pongo el de nuestra islandesa loca favorita: The Boho Dance

Lo peor: Los cinco que tenían que ir a poner corriendo la lavadora (McLachlan, Harris, Lang, Taylor y Wilson).

Vaya par de dos

Lykke Li – EP

Atención a esta chica porque ya todo el mundo habla de ella como la próxima gran sensación, no hay blog que no la mencione ni ipod que no la reproduzca. Solo decir que tras ella se mueve el productor Bjorn Yttling (de Peter, Bjorn & John) y que es muy amiguita de Andreas Kleerup (sí, el de Robyn) y con amistades como estas solo se pueden hacer cosas buenas. Este EP solo se ha publicado en vinilo y como descarga digital, y es básicamente su carta de presentación con una canción fantástica en la cara A, little bit. Una delicada canción de amor (¿hay canciones que no sean de amor?) unos toques electrónicos, una guitarra acústica y sobre todo una de esas pequeñas voces que tanto me gustan. Todo es suavidad en este gran hit:

I think i'm..
A little bit, a little bit
A little bit in love with you
But only if you're
A little but, a little bit, a little bit
In lo-lo-lo-lo-love with me

En la cara B ‘everybody but me’ y ‘times flies’, dos temas que no tienen la inmediatez de la anterior pero que dan una pista de su estilo pop sosegado y de lo que nos puede dar esta muchacha que ya tiene terminado su larga duración bajo la producción de Bjorn Yttling (un jugoso tema de adelanto de lo que saldrá el 30 de enero en su myspace)

De momento, si tienes cierto interés, te recomiendo que veas el maravilloso videoclip de Little Bit:



Y si estás fascinado como yo, no te pierdas la la versión en directo en plena calle, otra de sus demos en vivo o codeandose con Kleerup y Robyn en este medley. Aysss Estocolmo…






Soko – Not Sokute

Soko es como otra de estas campañas virales que se propagan tan rápido en internet sin saber muy bien por qué (¿o si?) De esta muchacha sé bien poco, solo que es una jovencita francesa y que bajo esa voz dulce se pone a cantar ‘i kill her’ y se queda tan ancha. El ep se compone de 5 canciones folk-pop (?), cancioncillas sencillas casi a voz y guitarra. El tema que lo abre ‘the dandy cowboys’ es el más diferente de todos con su estilo de saloon del oeste. Los 4 restantes son maravillas, ‘shitty day’ de cuando te levantas y todo en ti mismo te parece una mierda, ‘i kill her’ que es su hit de desamores y venganzas, ‘take my heart’ tan bonita que da miedo, y ‘i'ts raining outside’ una despedida agridulce.

Más canciones en su myspace

So, if I find, I swear,I swear,
I'll kill her, I'll kill her.
She stole my future, She broke my dream,
I'll kill her, I'll kill her.
She stole my future
When she took you away

Esta chica tampoco tiene disco, aunque dice que está trabajando en ello, y aunque parezca un poco loca tiene algo que enamora:

se busca

El Blog de dusty busca colaborador para escribir los domingos. Si estás interesado envianos una crítica musical y una relación de tus gustos musicales a nuestro correo electrónico dustyestatocandoenmicasa@gmail.com y la comitiva de dusty seleccionará la que mejor nos parezca.

Lo que nos espera

Como me ha encantado la fórmula de Davis, esa de poner un variadito, quiero hacer yo lo mismo pero sobre grupos o artistas que en mi humilde opinión van a dar (o están ya dando) el pelotazo en el 2008. Bueno, tampoco es que sean lo mejor desde los Beatles ni yo me creo el NME, pero lo mismo encontráis entre ellos alguna futura mejor canción del año o incluso acabéis colocando un poster para decorar vuestra habitación.

Duffy
No podía empezar de otra manera al estar en el blog de la Dusty, ya que ha esta chica galesa ya la comparan con Dusty Springfield, como una de sus referencias más evidentes. Su gran logro hasta la fecha es haber quedado en segundo lugar en la versión galesa del concurso Pop Idol, este tipo de concursos que aquí también tenemos pero donde nunca salen artistas realmente interesantes, caso aparte es en las islas británicas… que se lo digan a Mika. Ha publicado hasta la fecha dos singles: Rockferry y Mercy. Para la grabación del álbum ha contado con Bernard Butler (sí, el que tocaba la guitarra en Suede, el grupo de Brett Anderson… ¡oooh Brett!). Su disco llevará por título Rockferry y saldrá para marzo.

Sello: Polydor
Web oficial
Vídeo de Rockferry
Vídeo de Mercy


Ida Maria
Esta muchacha me tiene loco. En mi nueva etapa de escuchar pop o rock sin más elementos añadidos, véase samplers, ruiditos modernos e historias varias, Ida Maria ocupa el primer lugar. Pop-rock directo, vibrante, impulsivo… como una Polly Jean llegada del frío. Ésta chica viene de Noruega aunque está afincada en Suecia, donde ha formado su grupo y ya es todo un boom gracias a los múltiples conciertos que ha dado. Publicó una maqueta (que no veas el trabajo que me costó conseguirla) donde destacaba por encima del resto el tema Queen of the world. Editó a finales de 2007 un primer single Oh My God (un tema) y acaba de sacar el segundo Drive Away My Heart. Está grabando su primer álbum, el cual publicará en su propio sello Nesna Records.

Sello: Nesna Records
Myspace
Vídeo de Oh My God
Vídeo de Drive Away My Heart


Those Dancing Days
Sigo por esas tierras del norte que tanto gustan por aquí a más de uno/a. Those Dancing Days son cinco chicas suecas (monísimas, no podía ser menos viniendo de allí) que me recuerdan a las pavas de las Pipettes, pero creo que es sólo por ese rollo mono y divino, y porque son todo chicas, claro. Su rollo no es sixtie, es más el típico grupo de pop sueco así candy candy, tipo Acid House Kings o Club 8 pero sin horchata en la sangre. Lo que más me llama la atención es la voz de Linnea, me resulta super bonita. Y bueno, que ella es… ay, que me tiene loco vamos; pero eso que no salga de aquí que algunas de estas chicas aún no han salido del instituto y no quiero que nos cierren el blog.
A lo que iba, tienen un ep de cinco temas en la calle con el que fueron nominadas a mejor grupo sueco en los premios europeos de la MTV. Tienen dos singles chulísimos que no debéis perderos Those Dancing Days y Hitten. Aunque fue el año pasado cuando comenzaron a destacar, será en 2008 cuando lleguen a un público mayoritario gracias a su esperado primer álbum.

Sello: Wichita Recordings
Myspace
Vídeo de Those Dancing Days
Vídeo de Hitten


Adele
Otra voz femenina para acabar. Sólo me hizo falta una escucha del tema Chasing Pavements para quedarme enamorado de la voz de esta chica inglesa de nombre Adele. Desde entonces no ha faltado ni un solo día en que no me la pusiera al menos un par de veces seguidas a modo de ritual liberador. Es un SINGLE, así con mayúsculas, con sus pros y contras. Te enganchará y no te soltará, pero como buen single, llegará el momento en el que querrás más y ahí encontrarás Hometown Glory, el que fuera su primer tema. Creo que 19, edad de Adele y título de su primer álbum (sale a final de enero) será uno de los discos del 2008. Tal vez en España por el estilo de las canciones no sea un número uno, pero de verdad que merece la pena escuchar algo así entre tanta modernidad y tanto supermega grupo de moda.

Sello: XL Recordings
Web official
Vídeo de Chasing Pavements


Quería nombrar algunos grupillos más, algunos ya con otros discos publicados, pero que pueden resultar igualmente interesantes: One night Only, Sons And Daughters, Boys of Brazil, Los Campesinos o The Kills.

Y para los que nos haya convencido, también podéis esperar la publicación de estos otros discos para este año, no os atragantéis:
Portishead, Alice In Chains, Blind Melon, Mogwai, Supergrass, Autechre, The Breeders, Death Cab For Cutie, Gnarls Barkley, My Bloody Valentine, Stephen Malkmus, My Morning Jacket, Rem, Nick Cave & The Bad Seeds, The Cure, Destroyer, Xiu Xiu, Alanis Morissette, Coldplay, Muse, Garbage, Metallica, Broadcast y por supuesto el de la rubia esa que se cree la reina del universo.

Fuentes consultadas: Wikipedia, Myspace… y una buena dosis de paciencia buscando por la red.

Por Dindan

Al estilo de Manchester

Take That - Beautiful World

“Te sentía a mi lado, tan cerca, que no importaba lo que ocurriera al otro lado. No importaban ya los gritos, ni los cristales rotos, ni la sangre derramada ni ese extraño olor a podredumbre y amargura… solo me aferraba a ti cada noche para que nada importara…”.

Esta semana voy a dejar un poco de lado la actualidad y me voy a ir unos mesesitos atrás; y es que no puedo dejar pasar más tiempo antes de dar la relevancia que merece a uno de los acontecimientos musicales más destacados y que, sin embargo, más desapercibido ha pasado, en los últimos tiempos: la vuelta de Take That.

Nadia apostaba ya por un reencuentro de la boyband por excelencia de los 90. En su corta pero intensa carrera hacieron caja suficiente como para vivir de las rentas... o al menos eso pensábamos. Además, los malos rollos de la última etapa, especialmente el mediático enfrentamiento entre Robbie Williams y Gary Barlow, no hacía presagiar que a ninguno de los secundarios de esta historia les quedara ganas para más. No sé si ha sido el afán de protagonismo de un líder con cierto talento pero sin ningún carisma como Barlow, que ha visto que TT (o sea, rodearse de unos chicos más agraciados que él) es el único modo que tiene para conseguir que le alaben como músico...
Un momento. Podría estar divagando sin fin sobre los motivos de la separación, la reunión, Robbie Williams y la vida de los chicos de Manchester durante estos diez años. Pero no, iré a lo que toca, o sea, comentar el disco.
Beautiful World, el cuarto trabajo de estudio del grupo, es el perfecto disco de madurez para un grupo de estas características. Les ha salido de libro vaya. Plagado de medios tiempos, sin estridencias, con letras mucho más cuidadas (aunque su apariencia siga siendo entendible por todos los públicos), y dando mayor importancia a las voces que a las bases bailables. Mucho mejor y más completo que el intento de Backstreet Boys, por compararlo con otro reciente lanzamiento de similares características.
Como en todo disco de Take That, hay un tema prescindible, dos o tres que podrías perfectamente saltar debido a su excedente de azúcar, y unos cuatro o cinco temazos que compensan todo lo anterior. Es muy interesante que todos participen como solistas, incluso Jason Orange, que lo hace por primera vez en la historia del grupo, en una canción, Wooden Boat, de reminiscencias americanas apenas con una guitarra acústica y su voz. Este es el corte que casi cierra el disco porque, por primera vez, TT incluyen corte oculto al final del álbum. La forma de cantar de Barlow ha ganado con los años en nivel de horteridad y suena incluso un poco arcaica cuando intenta que todos los estribillos tengan la palabra 'love' y que suene tan tan sentido que... ains... Sin duda la mayor presencia de guitarra acústica y arreglos menos barrocos les ha hecho ganar musicalmente hablando. Menos mal que se muestra mucho más comedido en el primer single, Patience, una de las mejores canciones del grupo, a la altura del mítico Back for good.

Su imagen ha cambiado, su estética ha cambiado, y eso se nota también en el estilo de los vídeos, incluso en el libreto del disco, con fotos realizadas en Granada. Una imagen seria pero les deja ser ellos mismos, mucho más natural que en su anterior etapa. Claro, están más viejos, pero creo que en imagen han ganado y mucho. O será que por mi también han pasado diez años…

Por Rose

Lo mejor: Shine, cantada por Mark Owen, y Mancunian Way, por Howard Donald.
Lo peor: Que el disco tenga altibajos que te hagan dudar de la continuidad del grupo y tiendas a pensar que esto no es más que un bluff. De todas formas, han reeditado el disco con un tema nuevo en la banda sonora de Stardust y tienen muchas papeletas para llevarse algunos brits así que… se admiten apuestas.

POZOS DE AMBICIÓN

Common - Finding Forever

Finding Forever es el séptimo álbum de Common y el primer que yo escucho. Me arrojé hacia él como loco cuando vi el vídeo de Drivin´Me Wild, su dueto con Lilly Allen. Pero me temo que esta canción es el único oasis entre tanto desierto creativo. Y eso que el productor ejecutivo es Kanye West, al que le sobra talento para hacer productos con gancho. Pero en esta colaboración debió dejar el gancho en casa porque (aunque las 2 primeras canciones todavía tienen su aquel) el conjunto se mueve entre la balada soporífera y el hip hop más previsible. Es la prueba definitiva de que Common debería centrarse en sus otras 2 carreras (la de actor y la de modelo), que se le dan infinitamente mejor (como demuestra en los anuncios de GAP y en la película Smokin´Aces).

En la esquinita de la portada aparece el típico letrero de “Parental Advisory: Explicit Content”. O algo me estoy perdiendo entre líneas o el letrerito esté para atraer más compradores, porque las letras no pueden ser más bienintencionadas. De hecho, Common es famoso no sólo por tener a diosito en la boca todo el día, sino también por desnudar sus canciones de toda palabra malsonante que pueda herir alguna sensibilidad, cosa súper inusual en el mundo del rap. De hecho, es uno de los pocos raperos que no van de homófobos, lo que supone casi una provocación; Y las raras veces que se atreve a ir de malote en las letras de sus canciones, lo arregla rápidamente citando valores familiares o religiosos. Y esto me parecería absolutamente magnífico si además él no se tildara de “persona positiva” (o lo que quiera que signifique eso). Pero curiosamente, esta santa teresa del mundo del hip hop se ha ido a juntar con Lilly Allen (produciendo la única gema del disco), que es la gran bocazas de la canción británica. A lo mejor esto es lo que le falta: soltarse un poco.

Punto aparte merece el capítulo AGRADECIMIENTOS del disco (y pasó directamente a esto porque tampoco hay mucho más que decir del álbum). Es una especie de lista eterna que comienza con Dios (al que dedica 3 interminables líneas de piropos) y continúa con una guía teléfonica en la que termina bendiciendo hasta la última persona con la que se ha topado en lo que lleva de vida. Pero, desde el punto de vista artístico, debería ceñir los agradecimientos a Lilly Allen; Es la única que arroja un poco de luz en medio de tanto aburrimiento.

En una entrevista, Common explicó el signicado del título de su disco: lo de Finding forever se refiere a que él quiere dejar una huella eterna en el mundo de la música. Pretensiones no le faltan al hombre, pero no creo que este disco quede a la altura. En lugar de mirar tan arriba, debería hacer como la escritora y autoflageladora Katherine Mansfield, que siempre pensaba que lo que acababa de escribir era un mamarracho. Pero me temo que Common considera que cada canción es un regalo de Dios (no miento: en los AGRADECIMIENTOS está puesto) y no ve motivos para dar un giro de timón. De todos modos, tanta devoción cristiana tiene su recompensa: Recientemente este álbum ha sido nomido al Grammy a mejor álbum rap. Esto sólo se puede explicar por una mediación divina.

Por José Manuel Pozo

Mejor canción: Drivin´ Me Wild (lo más cerca que está el disco del mundo del pop), el brillate y pegadizo anzuelo del disco.
Peor canción: Forever Begins (a modo de tributo a los valores familiares, el disco cierra con este tema en el que el propio padre de Common se marca un rap. Como cantaba Cole Porter, Anything Goes)

CUATRO por UNO

¿En manos de quien está el actual pop comercial español? A veces se me olvida que sigue existiendo un mundo de 40 principales, de top mantas y de papitos. Así que hago un repaso de voces femeninas y escucho 4 discos esperando encontrarme alguna sorpresa, alguna joya o algún susto. ¿Es posible descubrir en este panorama un equivalente a Britney, Rihanna, o incluso una Julieta Venegas?


Natalia – Radikal
Este disco me resulta un paso atrás en su carrera de chewing pop. Primero de todo, no puedes ponerle de título a tu disco radiKal, así con K, no Natalia. Segundo, el empeño en sonar ‘rockera’ y ‘rebelde’ pues se lo podía haber ahorrado. Tato riff de guitarra y batería no te va demasiado. Ah, y me parece muy mal que su oda a los piojos la hayan reconvertido cambiándole la letra.
Tu mejor canción es Loco por mi, así que vuelve a ese estilo y escucha mil veces de rodillas ‘blackout’ de la Spears.
Mejor canción: pues mira, el single es un poco letra de bochorno, pero en el video sale de cheerleader y algo es algo.
Le recomiendo escuchar y versionar: Tenemos Que Hablar De Las Plantas Carnívoras de Fangoria


Conchita – Nada más
Es como estar poseída por Los Secretos, Revolver y Ella Baila Sola al mismo tiempo. Es la Bebe del mundo pijo. No conecto para nada con este estilo de música, así que no tengo mucho más que decir, solo que espero que no se pongan de moda las cantautoras. Ah bueno, mi amigo Cris dice que apuesta por Conchita como la nueva voz de La Oreja de Van Gogh, y entonces otro gallo cantaría.
Mejor Canción: pues no me ha gustado ninguna.
Le recomiendo escuchar y versionar: Tres tristes tigres de Nosoträsh



Merche – Cal y Arena
Que el disco te lo produzca Carlos Jean a estas alturas ya no quiere decir nada, pero podría haber sonado un poquito más moderno, más actual, y no tan antiguo, rancio y sin personalidad. Merche parece obstinada en sonar auténtica, con alma, y con ese toque ‘fito y los fitipaldis’ tan de moda. Merche tiene la posibilidad de convertirse en la reina de la copla-pop, con letras desgarradas y melodías bailables, en su mano está retomar este camino que ya bordó con su mejor hit (aquí)
Mejor canción: prepararé una cena (que aunque es regulera tiene algo)
Le recomiendo escuchar y versionar:
Planes de Verano de Algora.



Chenoa – Absurda Cenicienta
De las cuatro es la que puede tener un poquito más de mérito, pero vamos, no nos engañemos, tampoco mucho. Al menos ha hecho lo posible para escapar del estándar baladón sentido OT, pero ¿para llegar donde? Absurda Cenicienta (vaya titulito hija) intenta sonar a una Natalie Imbruglia de extrarradio, rock, acústico, cabaretero y con letras personales. Chenoa tiene una técnica y una voz versátil que la pueden hacer ir de la melodía pop suave al gorgorito con mucha facilidad, pero todo queda desaprovechado cuando las letras se convierten en el mayor lastre (la canción de la anorexia es muy fuerte, y la que da el título al disco también) así que búscate a buenos compositores que te hagan un disquito chulo (Astrud te irían bien)
Mejor canción: todo irá bien (sin los coros y la frase final sería perfecta)
Le recomiendo escuchar y versionar: Minusvalía de Astrud.

Por Davis

VISTA LA ESCENA, SANTIGUADO QUEDAS

Sr. Chinarro - el por qué de mis peinados

‘7 amigos hablando sobre música’, así reza en este blog, no se trata de novedades, sino música, de cualquier estilo y época, por eso quería hablar hoy sobre este disco El Por Qué De Mis Peinados, aprovechando que compré estas navidades la reedición que hizo Acuarela, la discográfica (el que tenía era grabado y muy rayado, no podía dejar de tener esta maravilla en original!).

Descubrí a Sr. Chinarro allá por los lejanos y enormes noventa y medios (94 ó 95), no recuerdo bien, en medio de aquella avalancha de grupos y conciertos que tuvieron lugar en el Fun Club. Recuerdo quedar con el tipo de Green Ufos para comprar su primer ep llamado Pequeño Circo (Acuarela, 1993, nada más y nada menos!!). 3 canciones que aún me siguen pareciendo de lo mejor de su repertorio y donde se define con claridad lo que sería la música de Antonio Luque. Poco después llegó el primer disco grabado en New York con Kramer, productor de Galaxie 500: un disparate, como comenta Luque en su web. Un disco con momentos de genio y otros más prescindibles. Le siguió Compito (1ª persona del verbo competir) en el 96, y un año más tarde llegó la que para mí es su obra más genial el por qué de mis peinados (Acuarela). Producido por Alfonso Espadero y Luque en los Estudios Central, en Sevilla, con la ayuda en la composición de Belmonte. Del cual dicen que gran parte del éxito de Sr. Chinarro se debe a él, y quizás sea cierto respecto al sonido particular que consigió darle, pero ¿donde está en los otros 7 discos también geniales de Luque?

Sr.Chinarro en estado puro, este disco condensa todo lo que significa la música de Luque, nacido a base de mucho alcohol, ideas disparatadas, 4 pistas, letras casi ininteligibles, surrealismo y costumbrismo a raudales. Una ojeada a los títulos de canciones: a la luz de dos velas, carretera y manta o el tío de la cabra. Disco denso, muy plano en el sonido - creemos escuchar siempre la misma canción- sobresale más, por lo diferente en los arreglos, esa obra maestra llamada Quiromántico. Sin embargo está lleno de matices que se van descubriendo poco a poco, de arreglos perfectos entre bajos y teclados, guitarras entrelazadas que se confunden. Se rebela Luque como gran guitarrista y arreglista de sus canciones, siempre pensé, viendo sus directos que toca la guitarra de maravilla, una pena que ahora le dé solo por los acordes. Suena todo a oscuro, callejero, a sureño, a pueblo añejo y sin embargo suena a the cure por los cuatro costados.

Como dije, letras casi ininteligibles, pero a quién le importa teniendo frases tan brillantes como ‘unos y otros desde el agua te decían…ve y prende la tele, no tomes apuntes, aprende del prenda que suelta las riendas y, sin caballo, ríe desbocado, y sin palabras queda a su lado: ahogadillas en sus ojos claros.’ Aunque de lo mejor de su repertorio son esos juegos de palabras, probablemente sin sentido alguno pero geniales: ‘fabulosas zorras, fábulas que desconozco’, ‘falla mi vista, fallera mayor…’. De lo que se puede adivinar tratan de la vida cotidiana, son como cuadros o fotos, descripciones de momentos y sensaciones más que historias, sobre el tío de la cabra, de supercajeras, la emoción de un viaje, de la ouija, de los ‘postes de teléfono que los años tiran’, del ‘tonto el que la lea’…

Monstruo.

Santeuil

http://www.srchinarro.com/

De Soyuz y otros cohetes

Baikonour - For The Lonely Hearts Of The Cosmos

La primera vez que supe de este disco fue ya hace más de dos años. Estaba echando un vistazo a la web de Melodic y tenían este “For The Lonely Hearts Of The Cosmos” en portada. La visión de un felino con traje espacial y estrella soviética en el casco, así como el hecho de que el grupo en cuestión se hiciera llamar Baikonour (el mayor cosmódromo de la carrera espacial soviética, situado en la república de Kazajstan, algo así como el Cabo Cañaveral comunista) eran motivos más que suficientes para haber puesto el radar de la atención en alerta y haber escuchado este disco de inmediato. Sin embargo, por algún que otro motivo (supongo que por el exceso de oferta auditiva al que nos vemos sometidos de unos años para acá) no lo hice.

El caso es que hace un par de meses, y no sé todavía muy bien cómo, este disco apareció por arte de magia en mi disco duro, y ha resultado ser uno de los mejores regalos con los que he podido agasajar a mis maltrechos oídos en la última temporada. Jean-Emmanuel Krieger, un francés afincado en Brighton y alma máter del proyecto, se confiesa fan a ultranza de Cocteau Twins, Sonic Youth, My Bloody Valentine, Popol Vuh, Can y Alice Coltrane. Y ciertamente sus influencias se hacen notar, y bien notadas... Vaya, que si me preguntaran que a qué suena este “For The Lonely Hearts Of The Cosmos” (una pregunta siempre complicada) me aventuraría a responder que a un disco de remezclas de clásicos del kraut a cargo del DJ Shadow más brillante. O lo que es lo mismo, que este trabajo debe hacer las delicias de los incondicionales de (los primeros) Stereolab, Kraftwerk y los murcianos Schwarz.

Krieger asegura que en este 2008 habrá continuidad. Esperemos que no se haga de rogar...

Por J.Perepi

Sello: Melodic
Año: 2005
Lo mejor: todo.

Lo peor: realmente no encuentro nada mejorable, me parece un disco perfecto.

Web oficial: no tiene, es un chico humilde y sólo cuenta con una página de...
Myspace: Baikonour en Myspace.
Videoclips: Lick Lokoum

¡Cómo toco la guitarraaa!

Thurston Moore - Trees Outside the Academy

Había una vez unos chicos inquietos allá a comienzos de los ochenta en Nueva York. Vivían envueltos por la música que surgía de la época, que bebía en su mayor parte de The Velvet Underground (como debe de ser si eres un adolescente newyorkino de la época, aquí lo hubieras sido de Veneno o Radio Futura, lo normal vamos) e influencias por otras disciplinas artísticas. Aquel grupo de amigos decidió ponerse por nombre Sonic Youth y allá que fueron ellos a hacerse un hueco dentro de la escena más ruidosa norteamericana, y vaya si lo hicieron, pero esa es otra historia. La que nos trae hoy aquí es el segundo disco en solitario del vocalista principal de esa banda, Thurston Moore.

Al igual que el resto de sus compañeros, aquí el amigo Thurston también ha realizado multitud de colaboraciones aparte del grupo, pero tan solo tenía editado un disco en solitario, Psychic Hearts de 1995. Aquel disco no se terminaba de definir por ningún lado y quedó un tanto cojo. Era como un disco de Sonic Youth pero con menos distorsión por decirlo de alguna forma y más flojo vamos, exceptuando algún que otro corte, que a mí personalmente a día de hoy aún me encantan, como el que daba título al álbum u Ono Soul. Hoy volví a escuchar algunas de estas canciones y se nota que están grabadas en el periodo de transición de la banda, entre Experimental Jet Set, Trash and No Star y Washing Machine. Doce años después aparece la (no) continuación de aquel disco, Trees Outside the Academy. Y la verdad, no tiene nada que ver, ni la voz ni música. Éste sí es un disco con su propia personalidad, que uno puede decir con orgullo a sus colegas “illo, me he grabao unos temas nuevos, abe?”.

Pues lo que se ha grabado aquí el amigo Moore son doce temas nuevos en el estudio de un nota, porque no se le puede llamar de otra manera a J. Mascis, líder de Dinosaur Jr. Trees Outside the Academy es rico en matices, arreglos y melodías. Junto a la habitual colaboración a la batería de Steve Shelley (este hombre está en todas partes, anda que su mujer tiene que estar contenta) cuenta con Samara Lubelski a los violines y el propio J. Mascis tocando la guitarra en varios de los cortes del disco. He escrito ya un tocho que no veas y en realidad no he hablado nada de las canciones. Bueno, os hago un resumen que para eso me han fichado en este blog:
1. Frozen Gtr: de lo mejor del disco. Con esa guitarra acústica (muy presente en todo el disco), violín y esos coros femeninos.
2. The Shape Is In A Trance: aquí canta a su estilo, tú sabes, poniendo la voz así como pa dentro, mu sentía.
3. Honest James: dedicada a James Brown (que chivata es la Wikipedia jeje). Lo de los coros femeninos me tiene loco. Hasta la melodía es bonita.
4. Silver>Blue: una canción tranquila más, no me llama mucho la atención.
5. Fri/End: el single, tu sabes. Me parece chulísima, muy pop.
6. American Coffin: una guitarra ahí a lo loco y de pronto te meto un pianito para el resto de la canción. Sólo el piano, nada más. El piano es bonito, pero el concepto y el lugar que ocupa en el orden de las canciones como que no lo termino de pillar.
7. Wonderful Witches: otro buen tema. Con su acústica que no falta y su poquito de distorsión, suena a eso que escuchábamos cuando éramos más jóvenes… Just Gimme Indie Rock, que dirían algunos.
8. Off Work: es el tema más Sonic Youth sin ser Sonic Youth. Una primera parte del tema podría pertenecer a cualquier disco de los newyorkinos mientras que la segunda parte es evidentemente el sonido genérico de este disco en solitario.
9. Never Light: un bonito medio tiempo. De esos que entran a cualquier hora del día.
10. Free Noise Among Friends: una rayada de 37 segundos.
11. Trees Outside The Academy: tema instrumental dedicado a Ian Curtis, fíjate tú.
12. Thurston@13: la frikada. Resulta que esto es una grabación que el muchacho hizo cuando tenía trece años y que ahora ha rescatado de algún cassette que tendría perdío en casa de su madre o similiar.

No sé si os ha quedado más o menos claro de qué va esto, pero yo no controlo de conceptos técnicos, solo os diré que el disco no es para darle un diez, ni un ocho siquiera, pero merece la pena prestarle algo de atención, más aún si has seguido su trayectoria como músico o si lo tuyo son las guitarras.

Por Dindan

Sello: Ecstatic Peace
Año: 2007
Lo mejor: te puede recordar a Sonic Youth por la voz, evidentemente, pero por lo demás el álbum tiene su propia personalidad. Y yo que pensaba que a estas alturas este pobre no iba a hacer nada decente en solitario…
Lo peor: No me termina de convencer el orden en el que aparecen las canciones. Pero yo es que soy muy particular para eso.
Web de su propio sello: Ecstatic Peace
Vídeo de Fri/End
Vídeo de Psychic Hearts (de su disco de 1995)